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摘要：先模仿，再创新 「先模仿，再创新」是我精进各类技能时所坚持的座右铭。 尽管这听起来似乎有些反直觉，但事实上，我们越是模仿他人，就越能快速找到自己的独特风格。拿娱乐圈来说，不少喜剧明星曾试图效仿他人，虽然失败了，但最终却成就了自己。约翰尼·卡森就是一个例子，他最初模仿杰克·本尼，结果并未成功，却最终赢得了六座艾美奖。
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先模仿，再创新
「先模仿，再创新」是我精进各类技能时所坚持的座右铭。
尽管这听起来似乎有些反直觉，但事实上，我们越是模仿他人，就越能快速找到自己的独特风格。拿娱乐圈来说，不少喜剧明星曾试图效仿他人，虽然失败了，但最终却成就了自己。约翰尼·卡森就是一个例子，他最初模仿杰克·本尼，结果并未成功，却最终赢得了六座艾美奖。紧接着，大卫·莱特曼又试图模仿卡森，同样失败了，但他也因此成为了美国最杰出的电视节目主持人之一。
柯南·奥布莱恩在反思自己曾经受到的影响时说：“我们未能成为自己理想中的那个自我，但也正是这一点最终塑造了我们，让我们与众不同。”
然而，现代的创作者却往往采取相反的做法。他们拒绝模仿他人，执着于原创性，把它当作至高无上的美德——哪怕是以牺牲作品质量为代价。虽然在交流中他们可能否认自己追求原创的野心，但他们的行为却暴露了真相。总的来说，创作者花在模仿自己偶像身上的时间远少于他们尝试创新的时间。我把这称为“原创病”，一种普遍存在的问题，使得创作者对于模仿他人的风格感到恐惧。
这个问题在作家群体中尤为严重。他们谈论自己的写作技艺时，总是带着一种让人敬畏的神秘色彩。然而，实际上，作家们完全有可能从其他领域汲取灵感和技巧。
昆汀·塔伦蒂诺
当提到好莱坞电影导演时，人们往往将他们视为创意专业的化身。提到昆汀·塔伦蒂诺，人们看到的是一个拥有制作原创电影独特才华的疯狂创意者。然而，昆汀的原创之路始于模仿。他因借鉴并重塑其他电影中的场景而出名，他曾说过：“我从每一部电影中偷师。”
每次我欣赏昆汀的作品，都会深深地被这样一个悖论所吸引：模仿与创新并非对立，而是并肩作战。
我是那种“坐下来，吃爆米花，享受电影”的人。电影对我而言是纯粹的娱乐，它让我有机会逃离日常事务，沉浸在引人入胜的故事中。我原以为每个人都和我一样，直到我和一位导演一起看电影。那位导演截然不同，他对电影中每一个细节都保持高度的关注，从配乐如何加强电影的情感张力，到光线如何在演员脸上流动，再到摄像机运动如何预示接下来的情节发展。
听着他对电影的点评，我不禁发问：“我们看的真的是同一部电影吗？”我感觉自己还停留在二维世界，而他已经生活在四维空间。
我从他那里学到，创作者和普通观众对艺术的消费方式截然不同。他们在观赏时更具目的性。对他们来说，欣赏艺术是一种富有成效的工作。导演们看电影，不仅仅是为了娱乐，更是为了学习电影的制作手法。不管是有意还是无意，他们都在脑海中构建自己的创意画板，以备在自己的作品中借鉴和发展。
说到这里，我想起了乔治·卢卡斯。在创作《星球大战》时，他参考了约瑟夫·坎贝尔的理论，坎贝尔是一位专门研究神话和宗教的学者。通过他的著作，坎贝尔提出了一种历史上各种故事中常见的英雄原型理论，即今天所知的“英雄之旅”。你可能对此已经耳熟能详。在编写《星球大战》剧本时，卢卡斯从坎贝尔的代表作《千面英雄》中汲取了灵感。
卢卡斯认为，神话、民间传说和童话在西方已经日渐消失，他希望他的新电影能够重新点燃这些元素的火花。为了让故事与历史上许多文化中反复出现的经典主题保持一致，卢卡斯重新改写了《星球大战》的剧本，以便与坎贝尔的作品相契合。
卢卡斯之所以能在艺术上独树一帜，正是因为他对坎贝尔作品的深刻理解与致敬，以及对那些经久不衰的主题的再创造和尊崇。如果卢卡斯像许多当代作家那样患上 "原创病"，困于对原创性的执着，那么《星球大战》也不会成为我们今天所见的这个样子。
原创病
「原创病」从何而来？对此，我有三种解释。
首先要谈的，是对灵感的误解。许多精彩的灵感其实源于对他人作品的赞赏和借鉴。但很多人认为灵感需要像闪电一样凭空出现。
他们害怕一旦思维沾染了前人的痕迹，那些带来新意的缪斯女神就会远离他们。在对原创的盲目追求中，他们拒绝学习任何前人的作品，生怕自己的思想受到污染。他们不愿站在前人的肩膀上，而是期望从内心深处挖掘出令人耳目一新的点子。
其次，是对原创的过分崇拜。我认为，这种情况很大程度上源于学术界的影响。学术界的人虽然研究前人，但目的却仅仅是为了创造出与众不同的成果。由于学术期刊强调原创性贡献，学者们因而被激励去探索那些鲜为人知的领域。然而问题在于，原创并不等同于有用。我担心学术界过分注重于“前所未有”的创新，以至于忘记了为人类知识的积累贡献实际价值。
最后一点纯属猜测：自我迷恋。或许，这种“原创病”的根源可以追溯到弗洛伊德的理论，这些理论至今仍是我们人类心理学的基石。自我和潜意识这样的观念之所以显得平常，完全是因为它们已经深入人心。
弗洛伊德的思想就像病毒一样传播开来，最终影响到了萨尔瓦多·达利，他是欧洲超现实主义绘画运动的领军人物。与现实主义者试图捕捉现实、印象派画家试图诠释现实不同，超现实主义者深入自身意识的深处，描绘他们心灵深处的风景。他们摒弃了逻辑和理性，转而致力于描绘梦境激发的幻象。
然后，在20世纪60年代，迷幻运动如火如荼地深化了我们对内心世界的探索。那时，随着自我爱护和自由表达的风潮兴起，人们开始摒弃基督教的严肃教条，以及那些布满传统色彩的观念，尤其是在二战留下的阴影之后。人们不再向外在世界求索答案，反而将目光转向内心的深处。
随着心理治疗和冥想的兴起，这一趋势愈演愈烈——在这些领域，许多倡导者坚持认为，自我是最了解自己的，答案就在我们心中。我们开始将自己视为孤立的小岛。这是当代人特有的心态。正如我最近听一位教堂牧师所言，早期的基督徒认为我们的生活是开放的，他们不是排斥外界影响，而是欢迎神的介入，让神的力量在自己的生活中如春花般绽放。
有人说，艺术是时代精神的反映。也许，世俗时代的思想也渗透到了我们的创作思维中。在艺术界，我们的绘画作品变得越来越抽象，以体现艺术家的主观体验。它们常常以震撼性的原创性而非质量来吸引注意力。这种自恋式的自我崇拜导致人们拒绝传统的经典。当我们向内心深处寻找灵感时，原创性成为了我们崇拜的核心美德。
另一种选择是追求真理。以《纳尼亚传奇》等故事中生动的想象力而闻名于世的C.S. 路易斯曾说过这样一句话：“那些追求原创性的人，往往与真正的创新无缘。真正的创新者，通常是那些全身心投入于工作、热衷于探求真理的人，而且他们对自己的创新往往浑然不觉。”
路易斯的这番话与罗杰·斯克鲁顿在他的纪录片《为何美如此重要》中所传达的理念不谋而合。斯克鲁顿在影片中提出了这样一个观点：在20世纪之前，问任何人艺术的目的是什么，他们会毫不犹豫地说：“为了创造美。”但自1917年杜尚的《泉》问世以来，艺术的核心已经不再是追求美感，而是以原创性来震撼观众。
艺术家们为了吸引眼球，开始不惜挑战传统，打破禁忌。我们不再高远地追求客观之美，反而变得越来越自我封闭，导致的结果往往是令人厌恶的。斯克鲁顿还指出，我们的语言、音乐、乃至礼仪，都日益显露出攻击性和自我中心的倾向。他认为，美的消逝源于现代社会的自我中心主义，以及与传统的荒诞割裂。
1917 年喷泉 马塞尔·杜尚（1887-1968 年）
然而，我并不是在倡导停滞不前。我乐于看到人类的创新，同时认为过分依赖传统会阻碍进步。以古埃及艺术家为例，他们的训练重在遵守严格的书写规范，他们的徒弟生涯只有在能够根据既定规则清晰刻画石刻的图像和符号时才算圆满结束。
恩斯特·贡布里希在《艺术的故事》中提到：“没人期待他们与众不同，更没人要求他们‘原创’。相反，那些能将自己的雕像做得最像古老纪念碑的艺术家才被认为是最优秀的。” 在这种模仿而非创新的哲学指导下，埃及艺术几乎未见大的变革。一千年后，那些与祖先作品极为相似的新作品也同样受到好评。没有什么变化，没有什么进步，也没有什么发展。这正是一种停滞不前的状态——模仿而不创新。
然而，与埃及人截然相反的做法也并非万能。创新而不模仿，不过是愚者的策略。历史例子不胜枚举。爱因斯坦的广义相对论，正是建立在他数十年对古典物理学家思想的研究之上。许多原创性极强的音乐家，都是通过长时间的音阶练习，吸收了他们所敬仰的前辈的创造力。
在文学领域，亨特·S·汤普森甚至一字不漏地手抄了《了不起的盖茨比》，只为感受伟大小说的创作过程。罗伯特·路易斯·史蒂文森则是一丝不苟地复制他欣赏的段落，待熟悉后便将原著抛到一旁，强迫自己凭记忆重写这些段落。
现今，许多作家对这种模仿策略持谨慎态度。或许这种犹豫源于学校对“抄袭”一词的过分强调。我们在学校被灌输了对抄袭的恐惧，被教导避免一切模仿的行为。对抄袭的极端惩罚让我将其比喻成那种一旦使用就意味着立即开除的电锯。
当然，抄袭是不对的。然而，问题在于我们对剽窃的过度恐惧已经影响了对有益事物的认识。因为这种恐惧，我们变得无法区分明显的剽窃（未经允许抄袭他人作品而不标明出处，这无疑是不道德的）和合理的模仿（向你所尊敬的作家的风格或价值观致敬，这是值得赞扬和推广的）之间细微但关键的区别。
模仿怎么了？
我很喜欢“imitate”（模仿）这个词的词源。在莎士比亚时代，单词"ape"（猿）既指 "灵长类动物"，也意味着“模仿”。也许这个词源表明，模仿是我们本性中的核心部分。
纵观人类历史，我们会发现，大多数模仿性的学习都是在师徒制度下完成的。我想到了达芬奇。他几乎没受过正规的学校教育，但在14岁那年，他就找到了自己的第一份学徒工作。在他的师傅的工作室里，达芬奇学习了数学、解剖学、绘画技艺以及几何的奥秘。
他完美地诠释了“先模仿，再创新”的理念，他作为学徒时期观察到的一切与他后来的创作有着不可忽视的联系。实际上，达芬奇最为人所知的雕塑之一，就是描绘年轻的大卫战胜巨人歌利亚的场景。（据一些学者推测，他与师傅的关系非常密切，以至于他还为师傅关于大卫的作品做过模特）。基于这点，我们不难理解为何他晚期职业生涯中的大卫画作与米开朗基罗的大卫雕像如此相似，这很可能是他对米开朗基罗作品的痴迷所致。
今天，一切都变了。我们为了追求高效，放弃了学徒制。那些渴望成为下一个达芬奇的人，不再通过做学徒的方式学习，而是转向专业的艺术学校。学徒制的消逝，意味着模仿学习的衰退。印刷术和后来的大规模教育的兴起，使我们过度侧重于能被编入教科书的知识。在扩大知识传播范围的同时，我们却在某种程度上忽视了那些难以通过教科书传递的思想。技术和隐性知识在这一过程中消失了。
我们可以从写作教育中看到这一点。英语课程教授我们如何成为一个优秀的编辑，因为这是最容易在教科书中标准化和传授的内容。这就是我们学习语法和句法的原因。尽管这些知识有其价值，但它们对于写作中那些更深层次、难以言传的方面却鲜有涉及：如何激发创意、识别有趣论点的结构、打磨个人风格、克服对批评的恐惧，以及如何应对写作障碍。相较于创造个人词汇或培养敏锐的观察能力这些真实但难以明言的好处，“避免使用被动语态”这类常见建议显得过于肤浅和低效。而实际上，这些能力更多是通过模仿而非直接教授来学习的。
什么样的技能最适合通过模仿来学习？
在技能培养的世界里，越是难以用言语精确描述的知识，往往越适合通过模仿学习来掌握。这类技能常常涵盖着众多微妙之处，最佳的学习途径往往是与大师交流或观摩他们的实操。以烹饪为例，我曾购买过数本心仪牛排馆的食谱，却始终无法做出完美的外焦里嫩的肋眼牛排。
遵循食谱能让你成为杰出的晚宴主持，但很难让你成为米其林大厨。每位厨师都应掌握烹饪的基础科学，比如四大烹饪要素（盐、脂肪、酸、热）及五种味蕾（甜、酸、咸、苦、鲜），但要达到烹饪的最高境界则更多依赖于灵活的经验法则，而这些往往只能通过师徒制学习得来。烹饪科学能让厨师进入行业前10%，而掌握烹饪艺术则能让他们跻身前1%。因为，在变化莫测的厨房现实中，过分僵化的规则反而会限制他们的创造力和手艺的发挥。
创意工作与此类似。但不同的是，你可以模仿创意作品的成品，而烹饪则做不到这一点。因此，大量阅读优秀的文字作品是成为出色作家的关键途径。尽管有效写作的原理难以言传，但广泛阅读能锻炼你的直觉，让你感受到高质量写作的韵味。
在讨论何时采用模仿学习时，还有一条原则值得一提：你对通过YouTube学习某项技能的兴趣越浓厚，模仿学习对你的帮助就越大。所谓的"YouTube技能"，更多是依赖身体而非头脑的，它们难以用语言详细描述。毕竟，没人能单凭阅读教材就学会跳舞。
人们更倾向于观看能够模仿的视频，学习屏幕上舞者的每一个动作。如果他们真的很认真，还会找一位教练来提供即时的反馈和指导。同样的道理也适用于写作。人们常说，关于写作的书籍都不尽人意，这种说法并非毫无道理。问题不在于作者的水平，而在于当人们试图将写作的精髓浓缩成文字时，那些观点往往过于简化，以至于失去了原有的价值和意义。
要改善创意教育，首先应重拾学徒制的精髓。当你模仿别人的作品时，你不得不去思考，为何他们会做出那样的选择。通过消化吸收和亲自创作，你可以将他人的作品融入自己的创意之中，编织出一幅独特的作品。
绘画的启示
有人说，社交场合会揭示你是什么样的人，因为个性是相对的，当你独自一人时，没有任何人可以与你比较。我喜欢诗人约翰·奥多诺休的说法，他写道：“在他人面前，你开始从对方的反映中认识真正的自己。”
模仿能帮助我们发现自己的创作个性，因为它能揭示我们的品味以及创作过程中哪些部分对我们来说是最自然的。这就是作家们所说的，他们在努力寻找自己的 "声音"。
通过模仿，你可以为自己量身打造一段学徒经历。我认识的一位绘画教练常对学生说，要在模仿中寻找不适感。她认为，你的艺术声音就藏匿在自我风格与所模仿画家风格之间的差异中。
参观艺术博物馆时，我最喜欢做的一件事就是在展厅里观看新晋艺术家们写生。我总会和他们聊上几句，因为模仿让他们对眼前的艺术作品有了深刻的思考。通过交流，我能收集他们的见解，融入自己的知识宝库。记得有一次在大英博物馆，我遇到了一位名叫芬利的画家。他正在绘制古希腊雕像，试图增强它们的动感。每一条黑线，每一抹阴影，都让他不得不思考雕塑家为何这样塑造大理石。虽然这些雕像已有数百年的历史，但芬利仍在与这位逝去工匠进行着激烈的对话。
许多专业作家都曾接受过绘画的磨炼，这并非偶然。学习如何用画家的眼光去观察，对于成为一个表达能力更强的作家而言，是极为关键的一步。无论是绘画还是写作，都离不开敏锐的观察力。画家通过色彩与光影来揭示世界的美丽，作家则用文字与比喻来描绘世界的魅力。这两种创作形式都涉及到构图的艺术，有时甚至需要刻意留白。写作与绘画虽然同源，但各自展现出迥然不同的魅力，正如电磁波谱中不同波段的光一样。可见光、X射线、紫外线、红外线，都是展现同一世界的不同方式。
最令人惊叹的绘画体验是，在长时间的观察之后，你会发现那些之前未曾注意到的细微之处。写作和绘画，本质上是学会如何深入观察。美国最伟大的传记作家，同时也是位技艺精湛的画家的大卫·麦卡洛曾说：“洞察力，往往源于观察那些一直摆在桌面上、摆在每个人面前的东西，而不是发现新的东西......“这正是狄更斯对所有作家的伟大告诫，'让我看见'"。
如果画家通过模仿那些与他们产生共鸣的作品而获益良多，那么作家们或许也该向他们学习，采用相同的方式。
两种类型的模仿
模仿可分为两类：近距离模仿和远距离模仿。
当我们提到模仿时，大多数人想到的是近距离模仿。这指的是模仿与自己工作性质相近的人。亨特·S·汤普森重写《了不起的盖茨比》的每个字、音乐家练习音阶、科比学习历史上最伟大的篮球运动员的动作，都是这种模仿的例子。事实上，科比曾经说过："我所有的动作都是从最伟大的球员那里偷来的。"
但远距离模仿——将一个领域的思想迁移到另一个领域——也同样有用。例如，西格蒙德·弗洛伊德的《梦的解析》被视为心理学领域最具创新性的著作之一，但大多数人可能不知道，弗洛伊德从尼采那里汲取了大量灵感。压抑、本能驱动、无意识心理以及梦的象征主义等概念，都深受尼采作品的影响。
在我撰写的关于彼得·蒂尔的那篇文章中，我提出他的投资方法实际上是勒内·基拉尔哲学的实践应用。你也可以做类似的事情。就像蒂尔一样，在选择模仿的对象时，你可以富有创造性。至于你应该从哪里获取灵感，这里有一个提示：未来的许多趋势在成为我们现实之前，首先出现在艺术领域。这就是为什么科技界如此关注科幻世界。例如，史蒂夫·乔布斯从《星际迷航》中获取灵感设计了iPad，而FaceTime的早期概念则出现在《2001太空漫游》中。
不过，有时情况并非如此简单。一般来说，你越是处于知识的前沿，你的突破就越可能来自远距离模仿。我在教育领域的前沿取得的最佳突破，都源自行业之外的人。我的灵感来自于电子音乐、基督教历史和匿名戒酒会。不止我个人，我的一位朋友也有同样的经历。我在教育领域最敬重的同事，曾花费数年时间深入研究邪教组织，探索它们是如何建立起强烈的使命感和团队精神的。
类似地，在许多专家对人类能否制造出比空气更重，但仍然能够飞行的飞行器持怀疑态度时，莱特兄弟却选择了一条不同的道路。他们研究了《动物运动》这本书和艾蒂安·儒勒·马雷的作品《飞行中的鸟》。这种跨领域的探索使他们不同于当时专注于相似项目的同行。他们不局限于传统的航空研究，而是拓宽了视野，从动物的运动特性中寻找灵感和答案。这种开阔的思考方式，最终帮助他们实现了人类飞行的历史性突破。
艾蒂安·儒勒·马雷的《飞行中的鸟》（资料来源）
在这里，我想强调一个至关重要的观点：模仿并不是简单地复制他人。当人们将抄袭与模仿混为一谈时，社会便会丧失那些充满活力的独特个性，陷入一种风格上的同质化。如今，在设计行业中，这种盲目模仿的现象尤为明显，仿佛每一家《财富》杂志评出的500强公司都在使用那些千篇一律、缺乏个性的卡通图案。
在高度网络化的环境下，这个问题愈发严峻。艺术家们创作作品，更多是为了在同行中脱颖而出。当一个行业的新人都经历了相同的封闭式培训，他们自然倾向于采纳相似的风格。虽然我们在教育规模化方面取得了成就，但代价是独特性的流失。《文学硕士是如何吞没文学的》一文中，作者埃里克·霍尔指出，当代小说对社会应该如何运作有着相同的信念，也有着相同的简约风格。这与历史上伟大作家们形成了鲜明对比，后者大多数并没有接受过正统的文学训练。例如，威廉·福克纳没有读完高中，陀思妥耶夫斯基持有的是工程学学位，而弗吉尼亚·伍尔夫则主要是自学成才。
在设计和写作领域中，有一个共同的真理：如果我们想要创新，我们应该更加慎重地选择我们模仿的对象，即选择那些不那么常见或流行的对象来模仿，而不是盲目跟随大众或主流的趋势。
社交媒体上，模仿的负面效应更为明显。每个平台的奖励机制促使创作风格趋于一致：Twitter 奖励短句和大胆激进的言论。YouTube 奖励快节奏、高能量的视频，这些视频与普通电影完全不同。在互联网之外，大量的音视频内容正逐渐淡化地区口音的多样性。有研究指出，上世纪80年代，约80%的德州人说话带有德州腔，而现今仅剩30%。研究者们认为，这种变化是由于媒体环境的影响：得克萨斯独特的口音正在被电视上常见的、中性的美国中西部口音所替代和改变。
为了提高模仿的质量，一个简单的方法就是跳出“永恒的当下”状态。具体做法是：丰富信息来源、跳出自身行业的圈子、多阅读经过时间检验的内容，减少对当前新闻的关注。
我从创新者身上学到最多的是近距离模仿和远距离模仿的结合。我想到了帕特里克·科里森（Patrick Collison）。我曾问他，既然 Stripe 如此具有创新性，为什么他们没有尝试一种全新的公司结构。他的回答是，公司不应该为了创新而创新。有时，遵循传统道路，从一系列成熟的资源中汲取经验，才是最佳选择。但这并不意味着在大多数情况下模仿最佳实践就不能创新。Stripe以其透明的内部信息共享方式而著称，此外它还创立了出版公司、发起了一项气候倡议，并且是首批全面实施远程工作的大型科技公司之一。
帕特里克总结道：“Stripe在发展方向上采纳了切斯特顿围栏原则，即在没有强有力的理由时不愿原创的倾向，以及对过往解决方案的好奇心。”
硅谷是一个相当缺乏历史感的地方。尽管那里的科技人士对当下时事和全球历史了如指掌，但对自己行业的历史却知之甚少，仿佛他们过于专注于未来，而忽视了过去。帕特里克不同寻常，他对早期硅谷机构如ARPA和施乐帕克，以及行业先驱如艾伦·凯、斯图尔特·布兰德和道格拉斯·恩格尔巴特等人表现出浓厚的兴趣。他在斯坦福大学的一次演讲中提到恩格尔巴特时说：“许多早期的工作甚至比我们今天的成就还要出色……尽管我们解决了各种规模扩张、部署和技术问题，但他们对于如何帮助人们合作的核心问题的思考更为深入。”
在技术行业之外，他还研究了过去知识文化繁荣发展时期的模式，比如苏格兰启蒙运动（它孕育了亚当·斯密和大卫·休谟等杰出学者）和文艺复兴时期（整个文艺复兴时期以一座城市为中心、资金规模相当于今天5亿美元）。从宏观角度来看，这并不算是一笔巨大的投入。它不足斯坦福大学年度运营预算的10%，也只是旧金山年度预算的大约5%。
而对这些改变世界的文化的研究，就是“先模仿，再创新”的方法。有趣的是，Stripe 之所以成为一家颇具原创性的公司，是因为其创始人“并不那么”坚持原创。
如何追求原创性？
观察 Stripe 这样的企业，我领悟到，创新的价值在于它服务于更崇高的目标。在商业世界里，如果你的想法缺乏创新，很可能是因为你对问题的理解还不够深刻。当你对某个问题有了深入的洞察，相应的解决方案自然而然就会呼之欲出。那些表面上井然有序的行业，背后其实是杂乱无章，急需像蜘蛛侠般的创业者去解决它们隐藏的各种问题。
这一道理同样适用于写作。在教学过程中，我发现那些把原创性作为终极目标的人，往往还只是写作的初学者。他们更应该关注的是作品的质量、美感或是表达清晰。
事实上，陷入“原创病”并不是成为原创者的正确途径。当创作者感到自己的想法不够原创时，他们往往会陷入困境。这种思维可能会让他们进入一种负面的心理循环，因为盲目追求创新往往会带来恰恰相反的效果。那些将原创性视为最高美德的人，要么陷入深渊，要么创造出的作品毫无实质内容。
相反，「先模仿，再创新」才是更明智的选择。
FAQ
1. 关于「绘画的启示」，核心要点是什么？
有人说，社交场合会揭示你是什么样的人，因为个性是相对的，当你独自一人时，没有任何人可以与你比较。我喜欢诗人约翰·奥多诺休的说法，他写道：“在他人面前，你开始从对方的反映中认识真正的
2. 关于「两种类型的模仿」，核心要点是什么？
模仿可分为两类：近距离模仿和远距离模仿。
3. 关于「如何追求原创性？」，核心要点是什么？
观察 Stripe 这样的企业，我领悟到，创新的价值在于它服务于更崇高的目标。在商业世界里，如果你的想法缺乏创新，很可能是因为你对问题的理解还不够深刻。当你对某个问题有了深入的洞察
本文仅供参考，不构成医疗建议。
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